Invita a participar a todas las personas que estén interesadas en exponer en nuestro espacio a enviarnos sus propuestas.
Estaremos recibiendo propuestas y consultas en nuestro correo: origamigaleria@gmail.com desde este momento hasta el 2 de marzo del 2012.
Adjuntamos las bases de nuestra convocatoria en donde encontrarán todos los detalles para enviar sus proyectos.
Bases convocatoria 2012 Origami vitrina
Esperamos sus proyectos.
Directo desde la toma de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso llega a nuestra vitrina: “EducaAcción”.
Nos construimos como una generación que no evade responsabilidades, pues ni el silencio, ni el individualismo forman parte de nosotros. No tememos a las lumas, a los gases, ni al desalojo, porque en cuatro meses hemos creado una fortaleza, porque hoy en la toma somos brochas, papel y engrudo, somos demandas y reivindicaciones. Hoy, somos el motor de los cambios sociales, en un país que busca igualdad y justicia.
Somos estudiantes de la comunicación, de la palabra y de la imagen, que movilizados hasta la educación gratuita, y algo más, decimos; “Adiós a la publicidad, bienvenida la propaganda.”
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Esta muestra se encontrará durante Noviembre y Diciembre en nuestra Vitrina.
Fotografías, xilografías, stencils, stickers e ilustraciones componen la muestra artística que se emana desde la toma de la Facultad de Arquitectura, Universidad de Valparaíso. Diseñadores, gestores, arquitectos, actores e ingenieros se exponen en este trabajo, que no es una obra creada para su exposición, si no que es una recopilación de eventos, del día a día en donde las aulas de clases se han convertido en un taller. Lo expuesto es solo una parte, ya que el material se encuentra en las calles, paredes y marchas que nos entregan como lienzo a la ciudad, sea de día o de noche, la movilización no para, nuestras demandas tampoco, y, nuestra responsabilidad no cesará.
La pared principal reúne al papel; las xilografías hechas por distintos compañeros que por medio de las gubias y el trupán tallaron su mensaje. Los stencils que tienen una labor directa y pasajera, pues durará lo que el spray o engrudo lo permita, expresando en la pared el grito sin permiso. Los stickers, nuestro bombardeo en las marchas, que han armado paso a paso, y calle a calle nuestras consignas Las fotografías son el testimonio de las jornadas vividas, dentro y fuera de la facultad. En ellas están plasmados el diario vivir; los sueños, las comidas, las risas, las mascotas, la pegatina, el rayado, los pasacalles, los compañeros, etc. La división que se expresa en la presentación se fundamenta en dos temáticas, las capturas hechas del trabajo realizado en la calle, y la segunda composición en los momentos construidos por la ocupación.
Esto ha sido parte de nuestra producción, y aunque los murales, las instalaciones, el horno de barro y la plaza no quepan dentro de la vitrina, sabemos que no cabe duda de que nuestra convicción se ha materializado de la mejor manera posible al llevar una de las luchas más justas de nuestra sociedad.
Toma Facultad de Arquitectura, Universidad de Valparaíso
Desde El Jueves 25 de Agosto “Piro pláticas”.
La obra está compuesta por tres cuadros de un metro por 70 centímetros. Técnica mixta.
Autor Railef Soto C.
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El nombre de la obra que nos presenta Railef Soto C. tiene relación directa con sus materiales: particularmente, por la presencia protagónica de varios palos de fósforos que intervienen sobre otros materiales, también inflamables: madera, bajadas de cama de lana, spray y óleo.
El autor pone en relieve las citas a obras de grandes artistas, transitando entre la subversión de la parodia y la recreación respetuosa del homenaje. Se alude directamente a la pintura de Van Gogh (tanto a “Dormitorio de Arles” como al relato impresionista de lo cotidiano identificado al artista) y al ready- made. Ambas tienen conquistado su lugar historiográfico como obras rupturistas, que abrieron debates y cuestionamientos en el arte. En la obra de Railef reaparecen en otro material y soporte, friccionando su pequeño incendio: buscar la épica de la ruptura en un contexto tan doméstico como son los fósforos y reproducciones -nunca son sólo “reproducciones”- de obras reconocibles.
Los materiales protagonistas pertenecen al mundo de lo ya hecho, son objetos habitantes del mundo ordinario y común, son productos comerciales que salen de una fábrica en grandes series para ser consumidos y utilizados en la vida cotidiana, deudores de una doble vida: la técnica -qué más claro que el fuego para demarcar el campo de la ciencia- y lo artesanal, siendo propios del trabajo escolar y el desvanecerse de los días. Tanto los fósforos como los baja cama son puestos en conflicto con su valor de uso y pero que utilizados por este autor en esta composición y expuestos en este espacio de arte renacen con un propósito artístico. Así como Duchamp, Railef descontextualiza primero y luego recontextualiza: tanto las obras como los materiales reúnen arte y vida; la historia y lo cotidiano, valores escindidos sólo por los prejuicios.
La bajada de cama, por otro lado, es otro pequeño universo. La lana es suave al tacto, lana da calidez, abrigo y tiene como fin limpiar y dejar afuera lo del exterior. Pero también va en la otra dirección: es la prolongación del sueño, la atenuación momentánea de la realidad, la prolongación del espacio sin historia que son los sueños. Pide continuar con el calor de la cama, recibe el primer paso del día. Marca la frontera de ese lugar donde los saberes aprendidos se funden con lo simbólico: entrada y salida de la razón. Como también lo es el fuego.
Desde el Lunes 11 de Abril hasta el 31 de Mayo.
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Instalación de 3 maniquies de plástico blanco intervenidos con plastilina.
“S, M, L”
Tres maniquíes, torsos femeninos, cuelgan en la Galería Origami protagonizando una nueva exposición: “S, M, L” de la artista Valeria Marín. Según sus palabras, las primeras pistas: este es un trabajo sobre la silueta de la mujer, como soporte y contenido. Es un trabajo sobre el prototipo industrial del cuerpo femenino y su ideal cotidiano, residente obligatorio en las vitrinas comerciales.
Los tres maniquíes (blancos, igual que el fondo, fundiéndose en la normalidad de una galería comercial) aparecen intervenidos mediante prótesis de plasticina. La elección del material está imbricada con el sentido de “deformar” esos moldes: es la masa que aparece en el cuerpo, adosada de forma explícita como también lo son -al otro lado del espectro- los patrones y cánones que adopta el discurso publicitario y los prejuicios estéticos. A ese primer tipo de discurso -el comercial- le debemos la estilización de las curvas, caderas, senos, condenadas a la contemplación externa en su condición de soporte universal y absolutamente pasivo, sin brazos, sin cara, sin genitales, simétrico.
El arte, por otro lado, ha realizado un ejercicio similar sobre el cuerpo femenino: desde la representación del bello cuerpo y la mirada masculina sobre él, deviene en la recuperación de la mujer para presentar la existencia empírica de sus dimensiones y pulsos. Los maniquíes son otra respuesta a esta necesidad de presentar el cuerpo femenino en lo cotidiano: una salida salomónica al problema de la figura femenina y su tránsito cotidiano. El maniquí porta varias polémicas que no infectan su factura -se supone que ombligo, genitales, pezones y heridas estarán silenciadas por la ropa a vender-, pero al ser trasladado a otros usos, re-expuesto al arte, expone los desgarros de nuestra forma de utilizar el cuerpo femenino. Leer el resto de esta entrada »
Semana de instalación. Próxima exposición desde el próximo Lunes 11 de Abril.
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Hasta el 25 de Marzo del 2011
Técnica: Retazos textiles cosidos sobre almohadas
Medida cuadros: 40 x 40 centímetros.
Autora: Jenifer Mora
“Intersticie. Intervalo entre tiempos” está compuesto por fragmentos textiles desechados u olvidados por sus antiguos dueños, partes de un todo que ha desaparecido. Son huellas de alguna existencia, mezclados entre si, cosidos y recosidos sobre pequeñas almohadas de plumas dan el pie a la obra-instalación.
Para la autora, las decisiones técnicas comprometen su trabajo con el material y el quehacer “femenino”. En “Intersticie”, el género aparece en la capa evidente -su material-, y también en otro nivel, el de la mujer como institución y las actividades que a esa sustancia se vinculan: el tejer, el coser, la tela, el paño, el hilo, la aguja y el dominio de todos estos actores.
La aguja (preexistente y necesaria para la génesis de la obra) marca su presencia punto a punto. La aguja es la mujer-madre que invoca su poder de reparación y su capacidad como evidencia de toda genealogía: los abandonos de cada generación, los eslabones entre el tiempo de mis abuelos y los abuelos de ellos, la acogida familiar contra las asperezas de la existencia, la continuidad de la vida y las familias que la atraviesan, y el nuevo sitio que el futuro puede trazar cuando puede comunicarse con su pasado. Leer el resto de esta entrada »
Desde el 16 de Diciembre hasta el 31 de enero
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Técnica: Tríptico de óleo sobre escombros de masisa enchapada de melamina
Formato: 146 x 70 cms
de Alberto Marín
Alberto Marín presenta la obra “La espera en casa y el lago”, creada específicamente para ser expuesta en Galería Origami. Su trabajo se compone de tres piezas de madera: dos de ellos fueron extraídos entre los restos de una casa de la región del Maule, destruida tras el terremoto del 27 de febrero de 2010; el tercero fue recuperado desde una cabaña, aledaña a un lago cerca de la localidad de Iloca. Sobre estas piezas, una pintura en óleo traza la representación de una de las mediaguas que reparte el gobierno chileno para la reconstrucción. El aluminio que brilla en esas murallas, explica el artista, al frente en la pintura, marca la paradoja de los “forros” repartidos con posterioridad, como para remediar -sin éxito- el error de un material incapaz de proteger a sus habitantes de las obviedades de su contexto sureño: la lluvia, el frío, e inclusos los modos de vida que exigen más metros.
Entre los muchos conflictos que “La espera en casa y el lago” ofrece al espectador, está el problema entre creatividad y naturaleza. Podemos situar la creatividad en el momento que el artista se sobrecoge y crea a partir de la naturaleza, hechos o sucesos de ésta. Acá, la creación trata con un material ya existente (la madera) facturada industrialmente por el hombre, desde una materia prima básica (la madera), todo esto deslocalizado por la naturaleza y nuevamente intervenido por un artista. La intervención -ya sea por voluntad o procesos industriales- siempre está en el margen de la precariedad, y es en esa característica en que la obra encuentra su conexión con esta galería, con el espacio de Origami. Leer el resto de esta entrada »
Desde el 25 de Octubre hasta el 26 de Noviembre
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“Gran reserva” es una intervención planteada específicamente para el espacio de galería Origami. Desde lo formal, la materialidad de la obra recurre al vidrio y el corcho, materiales que pertenecen a la actividad productiva que aloja el espacio en un restaurante. Mediante la reorganización de esos elementos, propone replicar, además, el acto creativo de todo local comercial que se dispone cuando actúa sobre su vitrina.
Desde el contenido (y la forma como contenido), donde se plantea como una reflexión sobre el proceso de reciclaje.
La figura delineada por los corchos marca la silueta de un alcornoque, el árbol en extinción desde el cual se extrae el corcho, mediante un trazado infantil y orgánico. La alfombra de vidrio verde representa la tierra y su vegetación, también construida con un material que exhibe la evidencia de un proceso industrial. Sobre esa tierra de vidrio, surcos ondulantes remiten al jardín, emulando apenas las ondas que, en los jardines japoneses, sitúan el espacio como referencia del mismo universo, rodeado de mar, olas y los pequeños elementos que constituyen nuestro mundo. El jardín es la herramienta simbólica para manipular el universo -ya lo cantaba Rubén Darío en “Yo persigo una forma”- y este jardín espurio en la galería sirve para reflexionar sobre el quiebre en ese universo que propone el reciclaje.
La artista Ana María Jaque Cruz muestra parte de su colección
“DEL NATURAL”
Desde el Lunes 6 de septiembre hasta el 6 de octubre
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“Esta muestra consiste en una selección de obras denominada Del Natural, que se desarrolla en la técnica de grabado al aguafuerte; nace de la observación y reflexión en torno a la figura humana y de nuestro paisaje natural, con el lenguaje de la línea se construye el juego de formas y transparencias que definen la imagen en la dualidad del blanco y negro”.
JAQUECRUZ
Sitio en internet de la artista: www.jaquecruz.cl
La artista Jaque Cruz nos presenta cinco grabados en la técnica del aguafuerte: “Bote en la playa” (12,5 x 11 centímetros), “El vuelo” (17,5 x 14 cms.), “Mujer con turbante” (12 x 10,5 cms.), “Cerro de La Cruz” (17,5 x 14 cms.) y “Puerto de Valparaíso” (17,5 x 15 cms.). Todos pertenecen a la exposición “Del natural”, que desde ya hace explícita una de las constantes que reúne a estas obras: son “del” natural porque operan como una extracción intencionada de lo que conforma ese paisaje confuso del presente. Un relato que respeta y quiere la forma natural -la línea del rostro, un insecto, un árbol coronando el cerro-, pero que desde ahí comienza su propio viaje, bien lejos del costumbrismo y siempre escéptico con las rupturas de todo tipo.
Para quienes estén interesados en saber más sobre la galería, los invitamos a sintonizar Radio Valentín Letelier 97.3 (en la Región de Valparaíso) o, si están en otro lugar, pueden escuchar la señal en vivo disponible en radiovalentinletelier.cl. Estaremos conversando en el programa “La Juguera”, el lunes 26 de julio a las 11 :00 AM.
Muchas gracias a la radio por la invitación.
